Quieres visitar los Uffizi y la pregunta de verdad no es si merece la pena. Es cómo salir sin la sensación de haber recorrido tres kilómetros de pasillos mirando los cuadros de pasada.
El museo expone unas dos mil obras a lo largo de un recorrido que arranca en el siglo XIII y llega al XVIII. Quien entra sin una lista se para delante de todo durante los primeros veinte minutos, luego acelera, y las obras maestras por las que había venido le pasan al lado en la última media hora, cuando las piernas ya no responden. La solución no es correr más: es elegir diez obras y darle a cada una el tiempo que merece.
Hay además una razón práctica para fiarse de una lista actualizada. Las Galerías de los Uffizi han reorganizado el montaje y renumerado las salas, así que las indicaciones que circulan desde hace años, la famosa «sala 10-14» para Botticelli, ya no coinciden con lo que lees en los cartelas. Las salas que encontrarás aquí abajo son las actuales, tomadas de las fichas publicadas por el museo.
¿Por dónde se empieza?
Por el Trecento, porque los Uffizi son uno de los pocos museos del mundo donde el nacimiento de la pintura moderna se ve en fila, sala tras sala, en el orden en que ocurrió.
Cómo está organizado el recorrido
El museo ocupa dos plantas del edificio que Giorgio Vasari proyectó en 1560 para alojar las oficinas administrativas del Gran Ducado, y de esa función burocrática viene el nombre. La segunda planta reúne la pintura del siglo XIII al XVI, con las salas señaladas con la letra A. La primera planta acoge el Quinientos veneciano y el siglo XVII, con las salas D, y termina en las estancias dedicadas a Caravaggio.
El recorrido es por tanto cronológico y en bajada. Las nueve primeras obras de esta lista están en la segunda planta y las dos últimas en la primera, lo que significa que puedes seguirlas en el orden en que las cuento sin volver atrás.
1 – La Maestà de Ognissanti de Giotto
Se empieza por la sala A4, donde tres grandes tablas de altar cuelgan una junto a otra: la Maestà de Cimabue, la de Duccio di Buoninsegna y la de Giotto. El museo las ha reunido a propósito, porque la comparación cuenta en tres cuadros lo que los manuales tardan un capítulo en explicar.
La Maestà de Ognissanti es un temple sobre tabla con fondo de oro de 325 por 204 centímetros, pintado hacia 1300-1305 para la iglesia florentina de Ognissanti. Mira el trono: en los otros dos cuadros es un símbolo plano, mientras que aquí se convierte en un tabernáculo gótico construido en el espacio, con los mármoles taraceados y los ángeles que están de verdad delante y detrás. Y mira a la Virgen, que tiene un cuerpo bajo el manto y un peso que empuja sobre el asiento.
Es la razón por la que Giotto se considera el principio de todo, y si quieres entender cómo llegó ahí he contado su revolución en el artículo sobre Giotto.
2 – Los duques de Urbino de Piero della Francesca
En la sala A9 dos tablitas de 47 por 33 centímetros cada una, pintadas al óleo entre 1473 y 1475, se miran a la cara. Son Federico da Montefeltro y Battista Sforza, duques de Urbino, retratados de perfil como en las medallas antiguas.
El perfil no es solo una elección estilística. Federico había perdido el ojo derecho y parte de la nariz en un torneo, y el lado izquierdo era el único presentable. Piero della Francesca convierte la limitación en una idea: los dos se enfrentan como en una moneda imperial, inmóviles, mientras a sus espaldas corre un paisaje continuo de colinas y aguas que es el ducado sobre el que reinan.
Battista murió en 1472, con veintiséis años, poco después de dar a luz al heredero. Su retrato es por tanto casi con seguridad póstumo, y la palidez casi transparente de la piel no es solo un efecto de luz.
3 – La Primavera de Botticelli
Siempre en la sala A9 te encuentras delante de una tabla de 207 por 319 centímetros, un temple graso pintado hacia 1480. Nueve figuras avanzan sobre un prado florido delante de un bosquecillo de naranjos, y desde hace cinco siglos nadie se pone del todo de acuerdo sobre qué está pasando.
La lectura más difundida va de derecha a izquierda: Céfiro, el viento azul, agarra a la ninfa Cloris, que se transforma en Flora, la mujer que esparce flores desde el vestido. Venus preside en el centro, encima de ella Cupido dispara una flecha con los ojos vendados, y a la izquierda las tres Gracias bailan mientras Mercurio aparta las nubes con el caduceo.
Lo que impresiona en directo, y que ninguna reproducción devuelve, es el prado: se han contado más de quinientas especies vegetales, muchas de ellas identificables botánicamente, pintadas una a una. De lejos es una alfombra oscura; de cerca es un herbario.
4 – El nacimiento de Venus de Botticelli
Al lado, en la misma sala, está el cuadro que todos han venido a ver: 172,5 por 278,5 centímetros, temple sobre lienzo, datable hacia 1485.
Merece la pena saber una cosa antes de mirarlo, porque cambia lo que ves. La Venus de Botticelli no respeta la anatomía: el cuello es demasiado largo, el hombro izquierdo baja con un ángulo imposible, el brazo que cubre el pecho no podría sostenerse así. No son errores. Botticelli sacrifica la construcción del cuerpo a la línea del contorno, que fluye ininterrumpida del tobillo al pelo, y obtiene una figura que parece flotar en lugar de estar de pie.
Es justo lo contrario de lo que hacía Leonardo en esos mismos años, a unos cientos de metros de distancia, y los dos cuadros están en este museo a cinco salas el uno del otro.
5 – La Anunciación de Leonardo
En la sala A35 hay una tabla larga y baja, 90 por 222 centímetros, pintada al óleo hacia 1472. Leonardo tenía veinte años y trabajaba en el taller de Verrocchio.
El cuadro tiene un defecto famoso: el brazo derecho de la Virgen es demasiado largo, y el atril que tiene delante sobresale de un modo que no cuadra. Durante décadas eso sirvió para dudar de la atribución. Después se entendió que la obra estaba pensada para colgarse en alto y mirarse desde la derecha, y desde ese punto de vista la desproporción se corrige sola.
Mira en cambio las alas del ángel, construidas sobre las de un pájaro de verdad y no sobre las plumas decorativas de la tradición, y el paisaje del fondo, donde el puerto y las montañas se disuelven en una neblina azul. Esa neblina es la primera aparición documentada de la perspectiva aérea de Leonardo, el principio sobre el que construirá todo lo demás. En el artículo sobre las cosas que debes saber de Leonardo da Vinci cuento cómo había llegado hasta ahí.
6 – El Tondo Doni de Miguel Ángel
En la sala A38 está la única tabla pintada de Miguel Ángel terminada que ha llegado hasta nosotros. Es un tondo de 120 centímetros de diámetro, temple graso sobre madera, ejecutado entre 1505 y 1506 para el mercader Agnolo Doni, que había desposado a Maddalena Strozzi el año anterior.
La Sagrada Familia está retorcida sobre sí misma en una torsión que ningún pintor había intentado antes: María se gira hacia atrás para coger al Niño de las manos de José, y los tres cuerpos forman una pirámide compacta como una cúpula. Miguel Ángel está pintando como si estuviera esculpiendo, y lo declara abiertamente.
Al fondo, detrás de un murete, cinco jóvenes desnudos se apoyan unos en otros sin una función narrativa clara. Son citas de la escultura antigua, incluido el Laocoonte, que había sido desenterrado en Roma justo en esos años y que Miguel Ángel había ido a ver. El marco tallado, con la cabeza de Cristo y cuatro profetas, lo diseñó él y lo ejecutó Francesco del Tasso.
Una curiosidad: los retratos de Agnolo y Maddalena Doni, pintados por Rafael en esos mismos meses, se exponen en la misma sala desde 2018. Comitente y obra se han reencontrado después de quinientos años.
7 – La Madonna del jilguero de Rafael
En la misma sala A38, un óleo sobre tabla de 107 por 77,2 centímetros, terminado antes de febrero de 1506. Rafael lo pintó como regalo de bodas para su amigo Lorenzo Nasi.
La composición es una pirámide serena, lo contrario de la torsión de Miguel Ángel colgada a pocos pasos: María lee, san Juanito le tiende el jilguero al Niño, y los tres se tocan en un gesto cotidiano. El jilguero, que se alimenta de semillas de cardo, alude a la corona de espinas.
La historia de este cuadro es sin embargo dramática. En 1547 la casa de los Nasi se derrumbó por un corrimiento de tierra y la tabla se partió en diecisiete fragmentos. Se recompuso con clavos y estuco, y durante siglos la hemos visto a través de esas reparaciones. La restauración concluida en 2008, tras diez años de trabajo, retiró las viejas integraciones y devolvió los colores originales: lo que ves hoy está mucho más cerca de Rafael de lo que lo estaba la misma obra hace veinte años.
8 – La Venus de Urbino de Tiziano
Se baja a la primera planta. En la sala D22, protegido por un cristal antivandálico que mantiene estable el microclima, hay un óleo sobre lienzo de 119 por 165 centímetros, fechado en 1538.
El cuadro se ha leído durante siglos como un desnudo mitológico y no lo es. La mujer tendida no tiene atributos divinos: es una joven esposa veneciana, retratada durante el ritual doméstico del toccamano, la ceremonia en la que la prometida expresaba su consentimiento tocando la mano del esposo. El perrito dormido a los pies de la cama es la fidelidad conyugal, las rosas son la constancia del amor, la maceta de mirto en el alféizar es la planta de Venus. Al fondo dos criadas preparan el vestido de novia, oro y azul claro.
Guidobaldo II della Rovere se lo compró directamente a Tiziano en 1538, y llegó a Florencia en la dote de Vittoria della Rovere, última heredera de la familia y esposa del gran duque Fernando II de Médici. Al lado cuelgan la Flora del propio Tiziano y la Fornarina de Sebastiano del Piombo: si te interesa el personaje, he escrito sobre la revolución del color de Tiziano.
9 – La Medusa de Caravaggio
En las salas dedicadas a Caravaggio y al siglo XVII, dentro de una vitrina apoyada en un gran panel rojo, hay un objeto que no es un cuadro: es un escudo de parada, de madera revestida de lienzo, pintado hacia 1598.
Durante mucho tiempo se creyó que era un escudo del siglo XVI simplemente repintado. Los análisis radiográficos han establecido que la obra es enteramente de Caravaggio, ornamentos dorados incluidos.
Caravaggio no representa el momento en que Perseo mata a la Gorgona. Representa la cabeza ya cortada, con la sangre que salta del cuello y la boca abierta en el grito, en el instante en que la conciencia todavía no se ha apagado. La superficie es convexa, así que el rostro sobresale hacia ti, y quien posó para ese rostro es probablemente el propio Caravaggio, que se pintó en el acto de morir. En el artículo sobre Caravaggio encontrarás el resto de su historia.
10 – Judit decapitando a Holofernes de Artemisia Gentileschi
En la sala D29, dedicada a Caravaggio y Artemisia, un óleo sobre lienzo de 146,5 por 108 centímetros, pintado hacia 1620.
Artemisia Gentileschi ya había tratado el mismo tema unos años antes. Esta es la versión de la madurez, ejecutada tras los siete años florentinos al servicio de los Médici y el regreso a Roma, donde había podido volver a ver los Caravaggio.
Lo que la separa de todas las Judit pintadas antes está en los brazos. Las otras versiones retratan a la heroína después del hecho, con la cabeza ya en la mano y el aire compungido. Aquí Judit y la criada Abra están trabajando: apoyan los codos, sujetan a un hombre mucho más corpulento que ellas, y la hoja entra en el cuello mientras la sangre salpica hasta la manga. Es una escena de esfuerzo físico, y ningún pintor hombre la había visto así. He contado la vida de Artemisia, y el proceso que la marcó, en un artículo dedicado.
Información práctica
Datos verificados el 28 de agosto de 2026 en la web oficial de las Galerías de los Uffizi. Los precios y los horarios cambian de temporada en temporada: antes de salir vuelve a comprobarlos en uffizi.it, que es la web oficial, y recuerda que la única taquilla auténtica es tickets.uffizi.it. Todo lo demás son revendedores que aplican un recargo.
Entradas. La entrada general comprada el mismo día en taquilla cuesta 25 euros. La misma entrada reservada por internet cuesta 29 euros, porque el derecho de reserva oficial se suma a la tarifa. Desde el 1 de enero de 2026 existe una tarifa de tarde de 16 euros, válida para las entradas a partir de las 16.00. La reducida cuesta 2 euros y corresponde a los ciudadanos de la Unión Europea, además de los de Noruega, Islandia, Suiza y Liechtenstein, de entre 18 y 25 años.
Horarios. De martes a domingo 8.15-18.30, con última entrada a las 17.30. El museo cierra los lunes, el 25 de diciembre y el 1 de enero.
Gratuidad. La entrada es gratuita para los menores de 18 años y el primer domingo de cada mes, cuando el museo abre con el horario ordinario. Los domingos gratuitos no se reservan, así que la cola en taquilla es larga y conviene presentarse a la apertura.
Cómo llegar. El museo está en Piazzale degli Uffizi 6, a dos pasos de la Piazza della Signoria, y el centro de Florencia se cruza a pie en veinte minutos desde cualquier punto. La estación de Santa Maria Novella queda a poco más de un kilómetro.
Cuánto tiempo. Para las diez obras de esta lista hacen falta unas dos horas caminando sin prisa. Para una visita completa del recorrido, incluidas las salas del siglo XVII y la terraza, cuenta tres horas y media.
Qué tener en cuenta. Los Uffizi no tienen un guardarropa amplio y las mochilas grandes hay que dejarlas en consigna, lo que añade tiempo en la entrada. La mejor luz para el Corredor de Poniente, el de las ventanas sobre el Arno, es la de última hora de la tarde, que además es la franja de la tarifa reducida.
Si prefieres no pensarlo, puedes reservar la entrada prioritaria a la Galería Uffizi y elegir la franja horaria que te venga bien.
Qué ver alrededor
Los Uffizi se abren a la Piazza della Signoria y al Ponte Vecchio, así que el día se construye solo: he reunido un recorrido completo en el itinerario sobre qué ver en Florencia en dos días.
Si prefieres quedarte en la pintura toscana, la Sagrada Conversación de Piero della Francesca cuenta el otro gran cuadro de ese artista, y las guías sobre Siena, Pisa y Pistoia cubren las tres ciudades donde la misma historia continúa fuera de Florencia.
