¿Estás de viaje por Madrid y te gustaría descubrir algunos de los museos más interesantes de la ciudad? ¿Quieres saber si merece la pena visitar el museo Reina Sofía y conocer algunas de sus obras más importantes antes de entrar?
Si te apasiona el arte contemporáneo, este es justo el museo que buscas.
El Museo Reina Sofía no solo es uno de los museos más importantes de Madrid: es también el lugar que reúne algunas de las obras más significativas desde el siglo XX hasta nuestros días. Por eso dentro encontrarás sobre todo obras maestras de Picasso, Miró y Dalí, aunque los cuadros no son lo único que te va a sorprender.
El edificio entero tiene, de hecho, una historia muy interesante.
Antes de convertirse en museo, el Reina Sofía de Madrid fue un hospital durante más de dos siglos. El edificio original, conocido como Hospital General de San Carlos, lo proyectó en el siglo XVIII el arquitecto italiano Francesco Sabatini por deseo del rey Carlos III y siguió funcionando como hospital hasta 1965. Tras un largo periodo de abandono, el edificio se reconvirtió y se inauguró como museo en 1992, con el nombre de la reina Sofía de España. Más tarde, en 2005, el arquitecto francés Jean Nouvel firmó la ampliación moderna con los característicos volúmenes rojos: ahí están el auditorio, la gran biblioteca y las nuevas salas de exposición.
Si te interesa profundizar en el arte moderno y contemporáneo en Madrid, dentro del Parque del Retiro encontrarás dos sedes anexas del museo, el Palacio de Velázquez y el Palacio de Cristal, que acogen a menudo exposiciones temporales muy interesantes.
Pero ¿qué ver en el Reina Sofía?
Igual que la estatua de Marco Aurelio en los Museos Capitolinos, la Capilla Sixtina en los Museos Vaticanos o la Gioconda en el Louvre, el Reina Sofía también tiene su obra más importante. Hablo, claro está, del bellísimo Guernica, la obra maestra de Pablo Picasso, expuesta por primera vez en el Pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.
Antes de contarte las 9 obras que no te puedes perder en el Reina Sofía, si ya estás en Madrid o estás planeando el viaje a la capital española, te aconsejo comprar la entrada por adelantado para evitar las largas colas y ahorrar un tiempo precioso.
Pero basta de charla. Aquí abajo te cuento qué ver en el Reina Sofía y las 9 obras que más me gustaron.
¡Empezamos!
1 – Guernica de Picasso en el Museo Reina Sofía
La obra más célebre del Museo Reina Sofía es sin duda el monumental cuadro de Picasso «Guernica». Este enorme lienzo de 3,49 metros por 7,77 es probablemente el cuadro más grande que verás nunca en directo. Seguro que ya lo has visto en un libro del colegio o en alguna reproducción, pero te aseguro que tenerlo delante es una experiencia realmente impresionante.
Guernica lo pintó Picasso en 1937 por encargo del gobierno republicano español, con motivo de la Exposición Internacional de París, y hoy ocupa toda la sala 206 del Museo Reina Sofía, en la segunda planta del edificio Sabatini. A pesar del tamaño de la sala, prepárate para pelear con decenas de cabezas y móviles que te harán muy difícil ver el cuadro: es una de las obras más fotografiadas del mundo.
Pero ¿qué representa el Guernica?
Este cuadro es un auténtico manifiesto político y social contra la guerra, contra los regímenes fascistas y, al mismo tiempo, un grito desesperado de la humanidad entera. Más en concreto, es una imagen congelada del bombardeo de la ciudad vasca de Guernica, ocurrido el 26 de abril de 1937 durante la guerra civil española. En aquella ocasión, Italia y Alemania apoyaron al gobierno de Franco contra los republicanos enviando ayuda militar, entre ella la tristemente famosa Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana, que juntas arrasaron la localidad.
El suceso causó muchísimo escándalo en todo el mundo, tanto porque los bombardeos aéreos masivos sobre ciudades no militares eran una novedad absoluta como porque Guernica no estaba en zona de guerra: era día de mercado y entre las víctimas se contaron sobre todo mujeres, ancianos y niños.
Al representar esta tragedia, Picasso decidió usar solo tonos oscuros, negros, grises y blancos, una elección que remite deliberadamente a las fotografías de los periódicos de la época a través de las cuales el mundo supo de la masacre. Los personajes están descompuestos, desesperados, gritando. Incluso los animales, como el toro y el caballo, parecen agonizantes.
Fuego, edificios destruidos, violencia, furia y miedo: todo eso te llegará con una potencia increíble al observar el Guernica de Picasso.
En medio de tantas atrocidades, sin embargo, el artista no se olvida de dejar un pequeño mensaje de esperanza: si te fijas, podrás distinguir una flor que nace de una espada rota, apretada en la mano del guerrero caído en primer plano. La intención de Picasso era hacer reflexionar a las potencias mundiales sobre la atrocidad de la guerra, para que algo así no volviera a suceder jamás.
En resumen, el deseo de Picasso para el futuro de la humanidad.
Una curiosidad antes de seguir: el Guernica ha tenido una historia agitada. Después de la Exposición de París, el cuadro recorrió el mundo durante años con fines de propaganda antifranquista y se custodió luego en el MoMA de Nueva York. Picasso había establecido que la obra solo podría volver a España tras la caída del régimen y el restablecimiento de las libertades democráticas. El Guernica llegó así a Madrid en 1981, seis años después de la muerte de Franco, y se expone en el Reina Sofía desde 1992.
2 – Muchacha en la ventana de Dalí
Siento una gran pasión por el surrealismo y por Salvador Dalí, que pude descubrir aún mejor visitando el precioso Espace Dalí de Montmartre. En el Museo Reina Sofía hay varias obras maestras del artista catalán, pero Muchacha en la ventana me impactó de un modo especial.
El cuadro lo pintó en 1925 en la casa familiar junto al mar de Cadaqués, en la Costa Brava. La modelo es su hermana Ana María, que entonces tenía 17 años y fue una de las figuras femeninas más recurrentes en las primeras obras del artista, antes de la llegada de Gala. La joven aparece retratada de espaldas mientras observa el paisaje al otro lado de la ventana: el color predominante es el azul, recogido en el vestido de la chica, en el mar y en las cortinas que se mueven ligeras.
El contraste entre interior y exterior, las líneas en perspectiva del parqué y la ventana abierta de par en par llevarán tu mirada más allá del marco, hacia las barcas y el paisaje de la bahía al fondo. La sensación es la de estar en la habitación junto a Dalí y su hermana, contemplando las vistas. Casi parece que se oyen los ruidos amortiguados que llegan de la playa, mientras en casa reina el silencio perezoso de un día de verano.
Si te fijas en los detalles, notarás varias cosas interesantes.
Además de ser un clásico «cuadro dentro del cuadro», en la hoja derecha de la ventana se intuye otro reflejo del panorama, enmarcado entre las tablas de madera. Es un pequeño juego visual que multiplica la perspectiva y anticipa, todavía de forma «tranquila», el gusto por los dobles planos de lectura que caracterizará toda la futura producción surrealista del artista.
Acostumbrada a las obras «extravagantes» de Dalí, no esperaba en absoluto un cuadro tan delicado y poético en el Reina Sofía. Esta es, de hecho, una de las obras de juventud del artista, pintada cuando tenía apenas 21 años y aún estudiaba en la Real Academia de San Fernando de Madrid. En esta fase Dalí estaba muy influido por el realismo de Vermeer, por Velázquez y por los movimientos del Noucentisme catalán: el surrealismo llegaría solo unos años más tarde, hacia 1929.
Una curiosidad: la relación entre Salvador y su hermana Ana María se rompió profundamente justo por la llegada de Gala a la vida del artista. Años después, en 1949, Ana María publicó un libro de memorias titulado Salvador Dalí visto por su hermana, en el que contaba cómo era su hermano antes de la «transformación» surrealista. Dalí no se lo perdonó nunca.
3 – Man Ray: Indestructible Object
Un metrónomo, la foto de un ojo y un título francamente extraño: he aquí una obra en pleno estilo dadaísta.
Esta pequeña escultura forma parte de la producción de los «ready-made», la revolucionaria categoría artística inaugurada por Marcel Duchamp, en la que objetos de uso cotidiano «se convierten» en obras de arte porque el artista los carga de un significado nuevo, cambiando su papel y su contexto.
La obra la creó Man Ray en 1923 con el título Object to Be Destroyed, es decir, «Objeto para ser destruido».
El artista la había pensado para marcar el ritmo de sus pinceladas al compás del metrónomo, igual que hacen los músicos. Años más tarde, tras el final de su tormentosa relación con la fotógrafa y modelo Lee Miller, Man Ray recortó una foto del ojo de su amada y la fijó al péndulo del aparato: una especie de venganza artística por el sentimiento perdido.
Man Ray llegó incluso a dejar instrucciones precisas para la fabricación y para la destrucción de la obra:
«Recorta el ojo de la fotografía de alguien que haya sido amado pero a quien ya no se ve. Fija el ojo al péndulo de un metrónomo y regula el peso según el ritmo deseado. Continúa hasta el límite de lo soportable. Con un martillo bien empuñado, intenta destruirlo de un solo golpe».
Y aquí llega la parte más curiosa de esta historia.
En 1957, durante una exposición en París, un grupo de jóvenes manifestantes decidió tomarse al pie de la letra las instrucciones del artista y destruyó la obra a tiros. Man Ray, lejos de enfadarse, cobró la indemnización del seguro y con ese dinero reconstruyó la pieza, rebautizándola esta vez como Indestructible Object, o sea, «Objeto indestructible». Un cambio de título genial: como si dijera que el arte no pasa solo por el objeto físico, sino que es algo inmortal que no puede destruirse de verdad.
A partir de ese momento Man Ray realizó varias réplicas autorizadas, y justo por eso hoy puedes encontrar versiones de esta obra en varios museos del mundo, del MoMA de Nueva York a la Tate de Londres, hasta el Reina Sofía de Madrid.
Un siglo después, este pequeño metrónomo sigue haciendo reflexionar sobre el papel del arte, del artista y de las vanguardias del siglo XX.
4 – El gran masturbador de Dalí
Como puedes intuir fácilmente por el título, en esta obra Dalí pone el acento en el erotismo y la sensualidad. Las referencias fálicas son evidentes en el medio busto del hombre arriba a la derecha, pero también en el pistilo de la cala y en la lengua «erecta» del león en primer plano.
Pero ¿qué representa exactamente este cuadro?
Puede que no te hayas fijado, pero la figura amarilla en primer plano no es otra cosa que un autorretrato del propio artista, colocado en horizontal. Se trata de un perfil que Dalí retomará varias veces en sus obras posteriores, también en el célebre Rostro del gran masturbador y en La persistencia de la memoria. De la boca de esta figura parece emerger, a través de una especie de metamorfosis, el medio busto de una mujer que evoca un acto de felación. La mujer está colocada justo delante de los genitales de un hombre, lo que crea una fuerte ambigüedad entre el título de la obra, que habla de masturbación, y la representación visual, que evoca en cambio un acto sexual entre dos personas. Ese contraste lo vuelve todo aún más onírico e inquietante.
Pero en este cuadro del Reina Sofía hay mucho más.
Puedes ver, de hecho, todos los elementos que caracterizan la poética de Dalí: los paisajes desérticos típicos de la Costa Brava de su infancia, las rocas doradas del Cap de Creus que reconocerás al fondo, e incluso un primer experimento embrionario de esas «estructuras blandas» que se convertirán en su firma en los relojes derretidos de La persistencia de la memoria de 1931. Está presente también el tema de la muerte y de la putrefacción, subrayado por el vientre en descomposición del saltamontes agarrado al rostro del artista, cubierto de hormigas, símbolos recurrentes de la angustia y la obsesión dalinianas.
La escena es evidentemente irreal y nada es lo que parece, pero lo que sorprende de esta obra del Reina Sofía es el gran sentido del equilibrio y de la armonía entre los elementos.
Y luego está la historia que se esconde detrás de este cuadro, todavía más fascinante que la propia representación.
La mujer representada es Gala (Elena Ivánovna Diákonova), musa y futura compañera de vida del artista, figura fundamental para su carrera y su éxito. Dalí pintó este cuadro en 1929, justo después de pasar el verano en Cadaqués con Gala y el marido de ella, el poeta surrealista francés Paul Éluard, junto a otros nombres del movimiento surrealista como René Magritte y Luis Buñuel.
Entre Dalí y Gala saltó de inmediato una atracción fortísima, a pesar de que ella tenía diez años más que él y estaba casada. Aquella pasión se transformó muy pronto en una relación hecha de excesos, amor loco y creatividad extrema, que duró 53 años, hasta la muerte de Gala en 1982. No es casualidad que este cuadro se considere el verdadero punto de inflexión de la carrera de Dalí: el inicio de su periodo surrealista más maduro y la obra en la que exorciza, de una vez por todas, sus angustias sexuales ante el primer gran amor de su vida.
5 – Mujer en azul de Picasso
Mujer en azul es una de las obras de juventud de Picasso y marca uno de los momentos más interesantes de su evolución artística. La pintó en 1901, cuando tenía apenas 19 años, y la presentó en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid de ese mismo año. Se cree que la obra estuvo influida por la gran tradición del retrato cortesano español, en particular por Velázquez y sus retratos de damas de la corte.
El cuadro muestra a una mujer de actitud especialmente austera y casi «arisca», pero al mismo tiempo carnavalesca: el vestido resulta excesivamente aparatoso, igual que el peinado elaborado y el maquillaje marcado de las mejillas. Todo el cuadro está dominado por distintas tonalidades de azul, del turquesa del vestido a los azules más apagados del fondo.
Tampoco la expresión de la mujer está elegida al azar. Parece que el artista quiso representar con este retrato una crítica áspera a la hipocresía y al conformismo de la burguesía madrileña de finales del siglo XIX, una sociedad de la que Picasso, joven catalán recién llegado a la capital, se sentía profundamente ajeno.
Aquí va una curiosidad interesante sobre este cuadro.
La Mujer en azul del Reina Sofía fue una de las decepciones más dolorosas para Picasso: la obra no ganó ningún premio en la Exposición de Madrid y fue acogida con frialdad tanto por el público como por la crítica. Después de aquel fracaso, el joven artista abandonó literalmente el cuadro en Madrid y se marchó a París sin volver a ocuparse de él. El lienzo se redescubrió solo en 1943, ya en pésimas condiciones, y desde entonces ha permanecido en las colecciones públicas españolas.
Un detalle que quizá no sepas: aunque Mujer en azul se asocia a menudo al llamado «periodo azul» de Picasso, en realidad su ubicación cronológica es más matizada. El periodo azul propiamente dicho (1901-1904), caracterizado por temas melancólicos, mendigos, prostitutas y figuras marginadas, empezó justo en el otoño de 1901, tras el suicidio de su amigo Carlos Casagemas. Esta Mujer en azul se sitúa por tanto en una fase de transición, en la que el joven Picasso todavía buscaba su propia voz artística entre la herencia de la pintura española clásica y las sugerencias de la modernidad parisina.
6 – Hombre con pipa de Miró
Hombre con pipa es una de las obras que Joan Miró pintó durante su estancia parisina de 1925, un periodo crucial en el que el artista catalán se acercó al movimiento surrealista liderado por André Breton.
Puede que no lo supieras, pero Miró sentía una auténtica aversión por la pintura convencional, hasta el punto de declarar abiertamente que quería «asesinar la pintura» tradicional. Esa rebelión contra el arte académico es evidentísima en este cuadro, en el que la figura representada está reducida a lo esencial y casi por completo desprovista de detalles.
La obra está tan poco definida que te parecerá estar delante de un boceto apenas esbozado más que de un cuadro terminado. La figura del hombre es espectral, suspendida sobre un fondo neutro y casi monocromo, totalmente falta de profundidad, hasta resultar de algún modo inquietante. A duras penas reconocerás la pipa, algún rastro del rostro y unos rasgos reducidos a unos pocos signos gráficos esenciales.
Este cuadro forma parte de una serie de lienzos que los estudiosos llaman «pinturas de sueños» u «oníricas» (en francés peintures de rêve), pintadas por Miró entre 1925 y 1927. En estas obras el artista abandona toda referencia a la realidad visible para dar voz al inconsciente, a las visiones y a las alucinaciones, a menudo inducidas por el hambre que el joven Miró pasaba realmente en aquellos años en París, como él mismo admitió en varias ocasiones.
En definitiva, un retrato surreal que se abre a muchas claves de lectura y que pone de relieve toda la singularidad de la poética de Miró.
7 – La caída de Barcelona de Le Corbusier
El Guernica de Picasso no ha sido la única gran obra inspirada en la guerra civil española que se conserva en el Reina Sofía. La caída de Barcelona (en francés La Chute de Barcelone) de Le Corbusier se pintó en 1939, justo tras conocerse la caída de la ciudad catalana en manos de las tropas franquistas, ocurrida el 26 de enero de ese mismo año.
Quizá no lo sepas, pero Le Corbusier (de verdadero nombre Charles-Édouard Jeanneret-Gris) no fue solo uno de los mayores arquitectos del siglo XX: fue también un pintor prolífico durante toda su vida. Había fundado en 1918, junto al pintor Amédée Ozenfant, el movimiento del Purismo, una corriente artística que reaccionaba al cubismo predicando una vuelta al orden, a la geometría pura y a la esencialidad de las formas.
En realidad este cuadro forma parte de toda una serie pictórica que Le Corbusier dedicó a los horrores de la guerra civil española y al dolor del pueblo ibérico, en plena represión de las tropas de Franco contra los republicanos.
La obra pone de relieve, con una fuerza visual increíble, el poder destructivo de la guerra. El mensaje se lanza a través de la descomposición de los cuerpos y la fragmentación del espacio pictórico, mientras el miedo y la desesperación se leen con claridad en los rostros estilizados de los personajes. La paleta está dominada por tonos oscuros y contrastados, que recuerdan la atmósfera sombría del conflicto.
Una curiosidad interesante: Le Corbusier estaba profundamente ligado a la causa republicana española. Había colaborado con el gobierno de la Segunda República en algunos proyectos arquitectónicos y culturales, y era amigo de muchos intelectuales y artistas españoles obligados al exilio tras la victoria de Franco. Su Caída de Barcelona no es, por tanto, solo una obra artística, sino también una auténtica toma de posición política, un acto de solidaridad pictórica con la España derrotada.
8 – Tronco decagonal de Gego
De la sección más contemporánea del museo, en el sentido estricto del término, me impactó especialmente una de las creaciones de Gego. Esta artista venezolana de origen alemán realizó increíbles esculturas geométricas como el Tronco decagonal n.º 4 de 1979, una de las obras más representativas de su producción madura.
Puede que nunca hayas oído hablar de ella, pero Gego (de verdadero nombre Gertrud Goldschmidt, Hamburgo 1912 – Caracas 1994) está considerada hoy una de las figuras más importantes del arte cinético y geométrico del siglo XX latinoamericano. Arquitecta de formación, tuvo que huir de la Alemania nazi en 1939 por su origen judío y encontró refugio en Venezuela, el país que la adoptó y donde desarrolló toda su carrera artística.
Su idea de dibujar sin papel está perfectamente representada en esta escultura, en la que el espacio se convierte en el verdadero protagonista de la obra y la escultura misma no hace más que ocuparlo en «negativo».
La escultura, por tanto, no es propiamente la estructura metálica realizada por la artista, sino el espacio que se esculpe gracias a ella.
La fragilidad de los materiales elegidos (finos hilos metálicos y tubos de acero inoxidable soldados hasta formar retículas tridimensionales) produce una cantidad de sombras cambiante y siempre distinta, también según las condiciones de luz del ambiente. Y esa interacción con el espacio de alrededor y con quien mira forma parte integrante de la obra. Me parece un concepto fascinante y profundamente innovador, que le da la vuelta por completo a la idea tradicional de escultura que tenemos en la cabeza.
Esta obra forma parte de la célebre serie de los «Troncos», estructuras geométricas desarrolladas por Gego en los años setenta, que evolucionarán después hacia las más conocidas «Reticuláreas», redes tridimensionales suspendidas que hicieron famosa a la artista a nivel internacional.
¿Tú qué opinas?
9 – La propaganda y la crítica al régimen franquista
Vale, en este caso no se trata de una sola obra ni de una única representación, pero me gustaron muchísimo algunas salas del museo en las que se contraponen la propaganda franquista y la sátira contra el régimen.
Estas obras satíricas las realizaron los republicanos durante la guerra civil y se exponen junto a los carteles políticos de la época precisamente para subrayar las profundas diferencias de visión política en la España de aquellos años dramáticos. Verás uno al lado del otro la propaganda oficial de los nacionales, que ensalzaba la figura de Franco como «salvador de la patria», y los carteles republicanos realizados por artistas como Josep Renau, Manuel Monleón y otros grafistas ligados al gobierno democrático, que en cambio denunciaban la violencia fascista con un estilo muy moderno, influido por las vanguardias europeas.
El dolor de una guerra así y la terrible represión que siguió a su final en 1939 (la dictadura de Franco duró nada menos que 36 años, hasta su muerte en 1975) se representan a través de fotografías, objetos, dibujos, periódicos y mucho más.
Te aconsejo tomarte todo el tiempo que necesites para contemplar estos documentos y reflexionar sobre la suerte que tenemos de vivir en democracia, y no bajo regímenes autoritarios.
Es realmente extraordinario ver cómo el arte sigue siendo capaz de hacer reflexionar y de lanzar mensajes potentes a los pueblos, incluso décadas después.
Información práctica sobre el Reina Sofía de Madrid
A estas alturas te estarás preguntando cuánto cuesta la entrada del museo Reina Sofía y cómo organizar mejor tu visita.
La entrada general cuesta 12 euros, pero el museo ofrece también numerosas franjas de entrada gratuita (por ejemplo en las últimas horas de apertura de la tarde y el domingo por la mañana), que te aconsejo comprobar en la web oficial antes de organizar la visita. En cualquier caso, te conviene comprar la entrada del Reina Sofía por adelantado para evitar las colas, que pueden ser larguísimas sobre todo los fines de semana y en temporada alta. Y si tienes previsto ver también el Museo del Prado y el Thyssen-Bornemisza, plantéate reservarlos online igualmente.
Además de las obras que te he mencionado, debes saber que la colección permanente del Reina Sofía está organizada en tres grandes secciones cronológicas y temáticas:
- «1900-1945. La irrupción del siglo XX: utopías y conflictos»: el recorrido arranca en las vanguardias históricas de principios del siglo XX y llega hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.
- «1945-1968. ¿La guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido»: dedicada a la posguerra y a las tensiones de la Guerra Fría.
- «1962-1982. De la revuelta a la posmodernidad»: de las protestas de los años sesenta hasta la transición democrática española.
Al estar centrado en el arte de los siglos XX y XXI, el museo cuenta la historia reciente de España y de Europa a través de las obras expuestas. Te aconsejo por eso visitar el Reina Sofía también para profundizar en la historia española del siglo XX, de la Segunda República hasta la transición democrática.
¿Cómo llegar al Reina Sofía?
El museo está en una posición estupenda, justo al lado de la estación de Atocha. Puedes llegar fácilmente en metro bajándote en la parada Atocha (línea 1) o Estación del Arte (línea 1, la antigua parada «Atocha Renfe» se rebautizó precisamente en honor del museo). La dirección exacta es calle de Santa Isabel 52, en el céntrico barrio de Lavapiés.
La única nota negativa es que el recorrido expositivo me pareció un poco caótico y no siempre intuitivo: por eso te aconsejo descargar el plano del museo desde la web oficial antes de la visita, o alquilar la audioguía disponible en la entrada.
¿Y después del museo? Regálate un paseo reparador por el cercano Parque del Retiro: después de tanto arte intenso, es la forma perfecta de dejar que se asiente la belleza (y la potencia) de lo que acabas de ver.
Si te apasiona el arte contemporáneo y pasas por Roma, existe una colección pública que casi nadie conoce: la de la Farnesina, dentro del Ministerio de Asuntos Exteriores italiano.
Y si el viaje por España continúa hacia el noreste, en Cataluña hay una ciudad que merece el desvío por la Edad Media que no te esperas: Girona.
