La Pinacothèque nationale de Bologne est un musée que l’on visite mal si on le parcourt dans l’ordre. Les salles suivent la chronologie, du XIIIe siècle au XVIIIe, et au milieu se trouvent des dizaines de très grands retables qui se ressemblent beaucoup : si tu ne sais pas quoi chercher, tu en sors en te souvenant de la fatigue.
Si tu le sais, en quatre salles tu trouves un Giotto signé, le Raphaël qui a changé l’histoire du groupe sacré, l’invention du paysage moderne et l’un des tableaux les plus insoutenables du XVIIe siècle italien, dans le meilleur sens du terme.
Cet article dresse la liste des œuvres que je chercherais. Les chiffres pratiques sont à la fin, et la première chose à savoir est que le musée ferme le lundi.
Comment le musée est fait, et ce qui est fermé
La Pinacothèque est via delle Belle Arti, dans l’ancien noviciat des jésuites, à côté de l’Académie des beaux-arts. Elle a été fondée en 1762 à partir de la collection de l’Institut des sciences et s’est enrichie au XIXe siècle d’œuvres provenant d’églises et de couvents supprimés : c’est pourquoi la collection est presque entièrement émilienne et presque entièrement religieuse par le sujet, et pourquoi les retables sont énormes. Ce n’étaient pas des tableaux de collectionneurs, c’étaient des autels.
Attention : le Palazzo Pepoli Campogrande, siège détaché abritant la section du XVIIIe siècle et les collections Zambeccari, est fermé pour réaménagement depuis le 1er juillet 2024 et au 1er septembre 2026 n’a pas rouvert. Si tu cherches les Gandolfi ou les vues du XVIIIe siècle, elles ne sont pas exposées.
Le parcours principal, via delle Belle Arti, est en revanche régulièrement ouvert.
L’Extase de sainte Cécile de Raphaël, salle 15
C’est l’œuvre pour laquelle le musée existe dans l’imaginaire collectif, et elle est accrochée en salle 15, à sa place. Si tu as lu ailleurs qu’elle est en prêt, revérifie cette information : elle a passé quatre mois au Metropolitan Museum de New York, et ce prêt est terminé.
Raphaël l’a peinte pour la chapelle d’Elena Duglioli dall’Olio à San Giovanni in Monte, et la critique place la datation autour de 1514, peut-être un ou deux ans plus tard. C’est un panneau qui fait une chose étrange pour un retable : il ne raconte pas un épisode.
Sainte Cécile se tient au centre avec quatre saints autour d’elle, tenant un orgue portatif qui glisse de ses doigts. À ses pieds, sur le sol, gisent des instruments de musique brisés et abandonnés : une viole aux cordes rompues, des tambourins, des flûtes. La tête de Cécile est renversée en arrière et elle écoute un chœur d’anges visible dans le ciel. Le sens est déclaré par les objets : la musique terrestre est tombée à terre parce que la musique céleste l’a rendue inutile.
Ce qu’il faut regarder de près, et la raison pour laquelle il vaut la peine de s’approcher, ce sont les instruments du bas. Ils sont peints avec une précision de nature morte qui n’était pas normale en 1514, et chaque surface a une consistance différente : la peau tendue du tambourin, le bois poli de la viole, le laiton. Vasari attribuait déjà l’exécution de ce groupe à Giovanni da Udine, le spécialiste de ce genre de détail dans l’atelier de Raphaël ; la critique moderne a aussi proposé une main de Giulio Romano.
Le Polyptyque de Bologne de Giotto, et la signature sur la marche
Dans les salles du XIVe siècle est accrochée la seule œuvre de Giotto restée à Bologne, et c’est aussi l’une des rares qui porte son nom.
Le polyptyque a été peint vers 1330 pour l’église de Santa Maria degli Angeli, et il comporte cinq panneaux : la Vierge à l’Enfant trônant au centre, et sur les côtés les archanges Michel et Gabriel avec les saints Pierre et Paul. C’est une œuvre tardive, de la phase où Giotto avait un grand atelier et prenait des commandes dans la moitié de l’Italie.
Ce qu’il faut chercher est sur la marche du trône, en bas au centre : on y lit l’inscription OPUS MAGISTRI IOCTI DE FLORENTIA. Les œuvres signées de Giotto se comptent sur les doigts d’une main, et celle-ci en fait partie. Ce n’est pas une signature d’artiste au sens moderne : c’est la garantie de l’atelier, la marque qui disait au commanditaire que l’œuvre venait bien de là.
Sur la peinture elle-même : la Vierge a le volume solide et les drapés lourds qui ont fait Giotto ce qu’il est, mais les fonds d’or et la structure compartimentée appartiennent encore à la tradition. C’est l’œuvre d’un novateur travaillant à l’intérieur d’un format conservateur, et la tension entre les deux se voit.
J’en ai aussi écrit dans la biographie de Giotto, si la place de ce polyptyque dans sa carrière t’intéresse.
Les Carrache, et l’invention du paysage comme sujet
Dans les salles de la fin du XVIe siècle, on atteint la raison pour laquelle Bologne compte dans l’histoire de la peinture européenne. En 1582 trois cousins, Ludovico, Agostino et Annibale Carracci, ouvrirent une école qu’ils appelèrent l’Accademia degli Incamminati, et il en est sorti la manière dont on a peint en Italie pendant le siècle suivant.
Ce qu’ils ont fait est plus radical qu’il n’y paraît : ils ont dessiné d’après nature. À un moment où la peinture était devenue un exercice de citation de Michel-Ange et de Raphaël, les Carrache remirent le modèle vivant dans l’atelier et la nature derrière la fenêtre.
L’œuvre à chercher, si l’histoire des genres t’intéresse, est le Paysage fluvial avec un chasseur d’Annibale. C’est une toile où il ne se passe presque rien : un fleuve, une barque, un homme avec un chien, et la lumière d’un après-midi sur un coteau. En 1600, un tableau pareil n’avait pas de marché, parce que le paysage était encore considéré comme un fond. Annibale le peint comme s’il était le sujet, et cent cinquante ans plus tard l’Europe entière peindra ainsi.
Le Massacre des Innocents de Guido Reni
Guido Reni a la réputation du peintre suave, celui des Vierges aux yeux tournés vers le ciel. Ce tableau, peint vers 1611, sert à la démonter.
Le Massacre des Innocents montre deux tueurs aux couteaux levés et un groupe de mères, et Reni fait un choix de mise en scène précis : il gèle l’action un instant avant le coup. Aucun enfant n’a encore été tué dans la partie haute de la toile ; au sol en gisent deux, déjà morts, et le contraste entre les deux zones fait le travail. En haut, deux anges descendent avec les palmes du martyre, ce qui était la manière dont la peinture de la Contre-Réforme déclarait le sens théologique de ce que l’on regarde.
Ce qui met mal à l’aise, et c’est voulu, c’est la beauté. Les visages des mères qui crient sont composés selon les canons classiques, les couleurs sont limpides, les drapés impeccables. Reni peint un massacre avec la grammaire de l’harmonie, et l’effet est plus froid et plus dur que n’importe quel réalisme.
Une curiosité : le tableau a été peint pour une chapelle de l’église San Domenico à Bologne, et il y est resté deux siècles. Il est arrivé à la Pinacothèque avec les suppressions napoléoniennes, c’est-à-dire avec le même mouvement qui a rempli ce musée.
Lavinia Fontana, la première femme peintre à tenir son propre atelier
Il y a un nom qu’il faut chercher exprès à Bologne, parce que l’histoire de l’art l’a tenu en marge pendant trois siècles.
Lavinia Fontana est née à Bologne en 1552, fille du peintre Prospero, et elle a été la première femme en Europe à diriger un atelier professionnel en son propre nom, faisant vivre une famille de onze enfants en peignant. Elle a peint des portraits pour l’aristocratie bolonaise et romaine, des retables publics, et elle a été appelée à Rome par le pape Clément VIII.
À la Pinacothèque, la pièce la plus touchante est un petit tableau des années 1580, un enfant endormi dans un berceau. Ce n’est pas une commande publique et c’est probablement un portrait privé, peut-être funéraire, d’un de ses enfants morts en bas âge. Il est peint avec une attention qui n’a rien de célébratoire.
J’ai consacré un article entier à sa vie : Lavinia Fontana, une peintre à la cour des papes.
Informations pratiques
Chiffres vérifiés le 1er septembre 2026 sur le site officiel pinacotecabologna.cultura.gov.it. Le domaine a changé : l’ancienne adresse pinacotecabologna.beniculturali.it ne fonctionne plus, donc tout lien qui y renvoie est périmé.
Tarifs. Le billet plein tarif coûte 12 euros. Le réduit coûte 2 euros et vaut pour les citoyens de l’Union européenne entre 18 et 25 ans. L’entrée est gratuite avant 18 ans, pour les détenteurs de la Bologna Welcome Card et pour les membres de la Società di Santa Cecilia.
Horaires. Le musée est ouvert du mardi au dimanche et les jours fériés de 9h00 à 19h00, dernière entrée une demi-heure avant la fermeture. Il est fermé le lundi, et c’est la contrainte qui décide du jour où venir : le lundi, à Bologne, le complexe de Santo Stefano ferme lui aussi.
Gratuités. L’entrée est gratuite avant 18 ans et pour tous le premier dimanche de chaque mois.
Y aller. Via delle Belle Arti 56, dans le quartier universitaire, à dix minutes à pied de la piazza Maggiore et à quinze de la gare centrale. Tout le parcours depuis la gare est sous portiques.
Combien de temps. Le parcours principal demande au moins deux heures. Si seules les cinq œuvres de cet article t’intéressent, une heure et demie suffit.
Un défaut, en toute honnêteté. Le musée est grand et la succession des retables fatigue : sans plan, tu arrives aux salles du XVIIe siècle déjà épuisé, et les Carrache et Reni sont à la fin. Si tu manques de temps, commence par la fin et remonte.
Sur les files. Il n’y en a pas. La Pinacothèque est l’un de ces grands musées italiens dans lesquels on entre toujours directement, et c’est pourquoi tu ne trouveras dans cet article aucun lien vers des billets réservables : ils ne servent à rien.
Si tu construis un itinéraire plus large, la Pinacothèque est l’étape du premier jour de Que voir à Bologne en 2 jours. Pour l’autre grande étape artistique du centre, où c’est la sculpture qui tient lieu de peinture, il y a la Déploration de Niccolò dell’Arca, et pour l’architecture il y a la basilique San Petronio.
Crédits photographiques : Extase de sainte Cécile, polyptyque de Giotto et Enfant au berceau de MarkPagl et Mongolo1984, salle des Carrache de Nicola Quirico, Paysage fluvial d’Annibale Carracci (CC BY-SA 4.0) ; Massacre des Innocents de Guido Reni, reproduction dans le domaine public. Toutes depuis Wikimedia Commons.
