Il y a une église via Clavature, à deux minutes de la piazza Maggiore, devant laquelle des milliers de gens passent chaque jour en allant au marché. Elle s’appelle Santa Maria della Vita, et presque personne n’y entre.
À l’intérieur, dans une chapelle sur la droite, se tiennent sept figures de terre cuite grandeur nature disposées autour d’un corps étendu au sol. Elles ont été modelées vers 1463 par un sculpteur que nous appelons Niccolò dell’Arca, et elles sont la chose la plus violente que le XVe siècle italien ait produite en sculpture.
Ce n’est pas un jugement de guide. C’est que presque toutes les autres Pietà et Descentes de croix de ce siècle, en Italie, sont composées : la douleur est contenue, les gestes sont mesurés, le modèle est la retenue classique. Pas ici. Ici, quelqu’un crie.
Ce que l’on voit en entrant
Le groupe se lit de gauche à droite, et Niccolò l’a bâti comme une échelle d’intensité croissante.
À gauche se tient Joseph d’Arimathie, le seul homme mûr, vêtu comme un marchand du XVe siècle, le visage ferme et les mains tenant les instruments de la descente. À côté de lui, Marie de Cléophas et Marie Salomé, bouches ouvertes et mains crispées sur la poitrine. Au centre, derrière le corps, la Vierge la tête couverte, et saint Jean appuyant son menton sur sa main : le geste codifié de la douleur contemplative.
Et puis, tout à droite, Marie Madeleine. Elle arrive en courant. Le genou est plié, le pied levé, le voile est rejeté en arrière dans l’air et la robe lui colle au corps comme s’il y avait du vent. La bouche est grande ouverte, les yeux mi-clos, les mains à demi ouvertes entre le geste de repousser et celui de saisir. C’est une figure en mouvement dans un groupe immobile, et la seule qui n’a pas encore fini d’arriver.
Au centre, au sol, le Christ mort, couché sur un coussin, la poitrine creusée et les côtes saillantes. C’est la seule figure sereine de la composition, et elle sert de fond silencieux à tout le reste.
La Madeleine, et pourquoi ce mouvement fut une invention
La figure de la Madeleine est la raison pour laquelle ce groupe figure dans les manuels, et il vaut la peine de comprendre ce que Niccolò a exactement inventé.
Dans la sculpture du XVe siècle, le mouvement se rend par la position des membres et par le drapé, et le modèle que tout le monde regardait était l’antique : l’étoffe qui vole est celle des Victoires et des Ménades romaines, un mouvement élégant et rythmé. Niccolò prend ce répertoire et le retourne vers la fin opposée. Le voile de la Madeleine ne vole pas par grâce, il est rejeté en arrière par la course ; le drapé ne décrit pas des courbes harmonieuses, il colle au corps et se casse en plis secs et coupants.
L’effet est que l’on sent la vitesse. C’est une sculpture dans laquelle le temps existe : cette femme, une seconde plus tôt, était ailleurs.
Et puis il y a la bouche. Représenter un cri était considéré comme une faute, parce que cela déforme le visage et rompt le décorum de la figure sacrée : la tradition préférait la larme. Niccolò ouvre la bouche de trois de ses figures et retire à leurs visages toute beauté. Gabriele d’Annunzio a parlé du « cri de pierre », et pour une fois la formule du poète est techniquement exacte, sauf pour le matériau.
La terre cuite, et pourquoi ce n’est pas un matériau pauvre
Le groupe est en argile cuite, non en marbre, et ce choix demande une explication parce qu’il a longtemps été lu comme un pis-aller.
La terre cuite, dans le Bologne et l’Émilie du XVe siècle, n’était pas le matériau de ceux qui ne pouvaient pas payer le marbre : c’était le matériau de ceux qui voulaient modeler plutôt que tailler. Le sculpteur qui travaille le marbre enlève, et chaque geste est définitif ; celui qui travaille l’argile ajoute, corrige, revient en arrière, et peut atteindre des finesses qui, dans la pierre, coûteraient des semaines et un risque de rupture.
Les plis du voile de la Madeleine en sont la preuve. Ce sont des lames d’argile de quelques millimètres d’épaisseur, tirées à la main, qui dans le marbre se seraient brisées. Le mouvement qui rend ce groupe mémorable est possible parce que le matériau le permet.
Le groupe était à l’origine polychrome, c’est-à-dire peint, et c’est la donnée qui manque à notre perception d’aujourd’hui : nous le voyons dans le brun rougeâtre de l’argile cuite, mais celui qui entrait au XVe siècle voyait des carnations, des tissus colorés, du sang. Des traces de cette peinture ont été relevées lors des restaurations.
Qui était Niccolò, et d’où vient son nom
On sait peu de choses de lui, et ce peu est intéressant.
Il est probablement né dans les Pouilles vers 1435, et dans les documents il apparaît comme Niccolò da Bari ou Niccolò da Puglia. Il a travaillé à Naples, puis s’est installé à Bologne. Il est mort en 1494, et les sources le décrivent comme un homme difficile, solitaire et sans le sou.
Le nom sous lequel nous le connaissons n’est pas le sien : il vient d’une œuvre. Entre 1469 et 1473 il a réalisé le couronnement de l’Arca di San Domenico, le sommet de marbre du coffre contenant les reliques du saint dans la basilique San Domenico, ici à Bologne, et c’est de cette œuvre qu’il est devenu Niccolò « dell’Arca ».
C’est un détail qui vaut un détour, si tu as une heure. Sur cette même Arca, vingt ans après le couronnement de Niccolò, un garçon de dix-neuf ans a sculpté trois statuettes : il s’appelait Michel-Ange Buonarroti. La basilique San Domenico est à dix minutes d’ici et l’entrée est libre.
L’église, et pourquoi le groupe est ici
Santa Maria della Vita était l’église d’une confrérie de flagellants, fondée au XIIIe siècle et transformée plus tard en hôpital.
Le groupe de la Déploration n’était pas un ornement d’autel : c’était un instrument. Dans les églises de confrérie, ces scènes servaient à une dévotion physique, celle qui demandait aux fidèles de se tenir devant la douleur et de la ressentir, et pour cela le réalisme devait être poussé jusqu’au malaise. La composition est conçue pour que tu entres et te retrouves à l’intérieur de la scène, avec la Madeleine qui te vient dessus par la droite.
L’église que tu vois aujourd’hui est baroque, rebâtie entre 1687 et 1690 par Giovanni Battista Bergonzoni après un effondrement, et la coupole arrive un siècle plus tard : Antonio Galli Bibiena l’a conçue et Giuseppe Tubertini l’a bâtie en 1787. Elle vaut de renverser la tête. Dans l’oratoire adjacent se trouve un second groupe de terre cuite, le Transit de la Vierge d’Alfonso Lombardi, commandé en 1519 et achevé en 1522 : quatorze figures, bien plus théâtrales et bien moins féroces. Les comparer, à soixante ans de distance, dit ce qui avait changé dans la dévotion.
Informations pratiques
Chiffres vérifiés le 1er septembre 2026 sur le site officiel genusbononiae.it. Le complexe est géré par Genus Bononiae : tarifs et horaires peuvent changer.
Tarifs. Le billet plein tarif coûte 8 euros et couvre l’église avec la Déploration, l’oratoire avec le Transit de la Vierge et le musée de la Santé et de l’Assistance. Le réduit coûte 5 euros et vaut pour les groupes de dix personnes, les étudiants et les 6-18 ans. Les groupes scolaires paient 4 euros. L’entrée est gratuite avant 5 ans, pour les personnes handicapées et pour les détenteurs de la Membership Card. L’audioguide en quatre langues est compris dans le billet.
Horaires. Tous les jours, de 10h00 à 18h30, dernière entrée à 18h00. C’est l’une des rares étapes de Bologne qui ne ferme pas le lundi.
Y aller. L’église se trouve via Clavature 10, à trois minutes à pied de la piazza Maggiore en traversant le Quadrilatero, le quartier du marché. Depuis la gare centrale, il faut vingt minutes à pied.
Combien de temps. Une demi-heure suffit, et cela paraît peu. Le groupe se regarde en dix minutes et ensuite on continue de le regarder : prévois de rester plus longtemps que tu ne l’avais prévu.
Une note sur la lumière. La chapelle est éclairée artificiellement et le groupe est bien visible à toute heure, donc il n’y a pas de meilleur moment de la journée. Évite tout de même, si tu peux, la demi-heure avant la fermeture : c’est là qu’arrivent tous ceux qui ont fini les autres musées.
Réservation. Inutile pour les visiteurs individuels. Les groupes organisés en ont besoin, par le centre d’appel indiqué sur le site.
Si tu construis un itinéraire plus large, la Déploration est l’étape que je recommanderais pour l’après-midi du premier jour de Que voir à Bologne en 2 jours. Pour l’autre grand groupe de terre cuite, dans le complexe de Santo Stefano, la comparaison est à quelques minutes, et pour la peinture bolonaise du même siècle il y a la Pinacothèque nationale. Si la sculpture italienne du XVe siècle dans son ensemble t’intéresse, le musée qui la raconte le mieux est le Bargello à Florence.
Crédits photographiques : groupe de la Déploration de Velvet, les figures, le Christ et l’Arca di San Domenico de Palickap et l’intérieur de Santa Maria della Vita de Zairon (CC BY-SA 4.0). Toutes depuis Wikimedia Commons.
