El mayor museo de arte de Apulia está en la última planta de un edificio de oficinas de 1935, en el paseo marítimo, y por las ventanas se ve el Adriático. No es un contexto que prepare para un Giovanni Bellini, y quizá por eso en la Pinacoteca de Bari casi nunca hay nadie.
El recorrido ocupa veintidós salas, es cronológico y va de la alta Edad Media al siglo XX. Lo que sigue no es una lista de todo: son las cosas por las que merece la pena subir, en el orden en que se encuentran, con la historia de cómo llegaron hasta aquí, que en este museo es la mitad del relato.
Un museo en la última planta, y cómo acabó allí
La Pinacoteca se creó el 12 de julio de 1928 y se instaló primero en el Palazzo del Governo. En 1936 se mudó a donde está ahora, la cuarta planta del Palazzo della Provincia del paseo marítimo, un edificio proyectado por Luigi Baffa y terminado en 1935.
¿Por qué el mayor museo de arte de Apulia está en la última planta de un edificio de oficinas? La ubicación dice dos cosas. La primera es que este museo nació como institución provincial, ni estatal ni eclesiástica: lo reunió una administración local que en los años veinte decidió recoger lo que quedaba del patrimonio artístico de la Terra di Bari. La segunda es que la última planta de un edificio de oficinas no es un contenedor neutro: las salas son pasillos anchos con luz por un solo lado, y el recorrido es de corredor, no de enfilada.
Desde 2002 el museo lleva el nombre de Corrado Giaquinto, del que hablaré más abajo.
La sección medieval, que es la parte más apulia de todas
El recorrido empieza con las esculturas, y es la sección que nadie fotografía y la que más dice del territorio.
Hay fragmentos arquitectónicos de los siglos XI-XV: capiteles de ménsula, placas, canes, todos procedentes de iglesias apulias desmembradas o rehechas. La pieza que más me impresionó es un capitel de ménsula decorado con leones alados del siglo XI, exactamente coetáneo de la obra de la basílica de San Nicolás: la misma cultura figurativa, la misma piedra, la misma mano de cincel, pero aquí se mira a veinte centímetros en vez de a ocho metros.
Al lado están los iconos apulios de los siglos XII-XIV, tablas pintadas en una koiné entre Bizancio y Occidente que es la seña de identidad de esta región, y que después de haber visto los Exultet en el Museo Diocesano resultan inmediatamente legibles.
Por qué en Bari hay tanta pintura veneciana
Al llegar a las salas del siglo XV se encuentra un hecho que sorprende a quien no conoce la historia del Adriático: la colección más importante de este museo es de pintura véneta de los siglos XV y XVI, y viene toda de iglesias y conventos de la Terra di Bari.
La explicación es comercial antes que artística. Durante dos siglos el Adriático fue un lago veneciano, y las naves que bajaban por la costa apulia llevaban mercancías en un sentido y subían aceite, trigo y almendras en el otro. Por esas mismas rutas viajaban los retablos: una parroquia de Andria o de Monopoli que quería un políptico decente lo encargaba en Venecia, donde había talleres organizados para exportar, y se lo hacía llegar por mar en cajas.
Así que no hay ningún misterio sobre por qué hay un Bellini en Bari. Está porque en el siglo XV comprar veneciano era, para una iglesia apulia, la cosa más natural del mundo.
Los Vivarini, un taller familiar al completo
La dinastía veneciana de los Vivarini está representada aquí por sus tres nombres, cosa que no pasa a menudo ni siquiera en Venecia.
Está Antonio, el cabeza de familia, con una Virgen entronizada entre san Benito y santa Escolástica y con los compartimentos de un políptico que venía de Santa Maria Vetere de Andria. Está su hermano Bartolomeo, el más prolífico y el más exportado, con un tríptico firmado y compartimentos de otros polípticos desmembrados. Y está Alvise, hijo de Antonio, con un San Pedro apóstol que se le atribuye.
¿Qué se aprende poniendo en fila tres generaciones del mismo taller? Verlos así permite observar algo que en los museos grandes se pierde: cómo cambia un taller en dos generaciones. Antonio pinta todavía sobre fondo de oro con la figura plana y frontal del gótico tardío; Bartolomeo introduce el volumen y unos paños que se sostienen solos; Alvise está ya en otro mundo, con aire circulando alrededor de las figuras.
Hay que decir también que casi todas estas piezas son fragmentos: tablas de polípticos desmontados en el siglo XIX, vendidas por separado o quedadas en los almacenes. El museo las expone tal cual, sin reconstrucciones fantasiosas, y es la decisión correcta.
El San Pedro Mártir de Giovanni Bellini
Es el cuadro por el que se sube, y aguanta la espera.
Giovanni Bellini pintó esta tabla para una iglesia de Monopoli, en la costa a unos cuarenta kilómetros de Bari. Representa a san Pedro de Verona, el dominico asesinado en 1252 por un sicario que le clavó una podadera en la cabeza: en la iconografía el santo lleva el arma todavía clavada en el cráneo, y la lleva con la expresión tranquila de quien no se ha dado cuenta.
Es una convención que hoy produce un efecto casi cómico y que en el siglo XV se leía de forma directa: el atributo identifica al santo, y el hecho de que no le duela declara que la muerte ya está vencida. Bellini la maneja con la sobriedad de siempre, el hábito blanco y negro dominico contra un cielo azul de nubes bajas, el libro en la mano, los pies en sombra.
La tabla fue restaurada en 2008, y la campaña produjo un volumen dirigido por Clara Gelao con las aportaciones de los técnicos que trabajaron en ella. Es el tipo de operación que una pinacoteca de provincias consigue raramente, y merece la pena dejar constancia.
Los dibujos del reverso de la tabla
¿Qué se ve en el reverso de una tabla del siglo XV? Es lo que este museo tiene y casi ningún museo puede ofrecer.
En el reverso de la tabla de Bellini, es decir, en la madera en bruto que nadie debía ver, hay dibujos. No bocetos preparatorios del cuadro: figuras autónomas, trazadas a mano alzada. Hay candelabras, esos motivos ornamentales de roleos verticales típicos de la decoración renacentista, y hay una escena con un hombre y un caballo.
Quién los hizo y cuándo es materia de discusión entre especialistas, y no seré yo quien la resuelva. Lo que cuenta para un visitante es la experiencia: se está mirando el envés de un objeto, la parte destinada al muro, donde alguien del taller dibujó por ejercicio o por juego sobre una superficie que consideraba de descarte. Es la trastienda del Renacimiento, y normalmente está boca abajo contra una pared.
Paris Bordone, y un santo de Uppsala en Apulia
Poco más allá hay un gran retablo de Paris Bordone, discípulo de Tiziano, con la Virgen y el Niño entronizados entre dos santos.
Los dos santos son la razón por la que me detuve. Uno es san Antonio de Padua, que en una iglesia apulia no extraña a nadie. El otro es san Enrique de Uppsala, es decir, el patrón de Finlandia, un obispo inglés del siglo XII martirizado sobre el hielo de un lago finlandés.
Cómo acabó en un retablo de la Terra di Bari es una pregunta a la que no tengo respuesta cierta, y sospecho que la respuesta está en el nombre de pila del comitente más que en una devoción local. Pero es el tipo de rareza que recompensa la visita a un museo de provincias: en un gran museo un santo insólito es uno más, aquí es un indicio.
Tintoretto: san Roque y los apestados
La pieza véneta más dramática es un San Roque entre los apestados de Jacopo Tintoretto, y es un cuadro que pide mirarse de abajo arriba porque así está construido.
En primer término están los cuerpos: enfermos tendidos, miembros abandonados, telas. Encima, en otra luz, el santo. Tintoretto trata la peste como trataba todo, es decir, con una dirección de luces violenta y figuras vistas desde ángulos incómodos, y el resultado es que la parte baja del cuadro es casi ilegible hasta que el ojo se acostumbra.
Quien conoce la Scuola Grande di San Rocco de Venecia reconoce enseguida el repertorio. La diferencia es que allí te rodean cincuenta lienzos y aquí tienes uno solo delante, en una sala vacía, y con tiempo para mirarlo.
Boccati, y el banquete del rey Totila
Hay después una tabla de 1473 de Giovanni Boccati, pintor de las Marcas, dentro de un marco de tabernáculo dorado que vale casi tanto como la pintura, y que cuenta un episodio que en Bari significa algo preciso.
Es el banquete del rey Totila, un milagro de san Sabino, el obispo titular de la catedral. La escena transcurre en un interior: la mesa puesta, los cortesanos, el rey godo y el obispo. La leyenda quiere que Totila, para poner a prueba la fama de santidad de Sabino, le hiciera ofrecer una copa envenenada, y que el obispo la bebiera sin daño.
Merece la pena verla después de haber estado en la catedral, porque cierra un círculo: en la cripta se ha visto el relicario del santo, y aquí se ve la historia por la que se le veneraba. En un museo de provincias, las obras y los monumentos de la ciudad se explican mutuamente de una manera que en Florencia o en Roma casi nunca ocurre.
El Guercino, y el siglo XVII que llega de Nápoles
Con el siglo XVII cambia la geografía de los suministros: Apulia deja de comprar en Venecia y empieza a comprar en Nápoles, la capital del reino del que forma parte.
Las salas del siglo XVII son, por tanto, napolitanas: está Luca Giordano con más de un cuadro, está Francesco Solimena, están los caravaggistas de segunda generación como Andrea Vaccaro y Pacecco De Rosa. Es una sección homogénea y bien representativa de lo que llegaba a provincias desde una capital que en aquel siglo producía pintura a ritmo industrial.
Fuera de este esquema está un Matrimonio místico de santa Catalina de Alejandría del Guercino, que con Nápoles no tiene nada que ver: es emiliano, y es la pieza de mayor peso crítico de toda la sección.
Corrado Giaquinto, el molfetés que pintó para el rey de España
El museo lleva su nombre desde 2002, y la mayoría de los visitantes italianos no ha oído hablar de él nunca. Merece la pena remediarlo, porque la suya fue una carrera europea.
Corrado Giaquinto nació en Molfetta el 8 de febrero de 1703, a veinticinco kilómetros de aquí, y murió en Nápoles el 18 de abril de 1766. Se formó en Nápoles en la órbita de Solimena, se trasladó a Roma en 1727, y desde allí su reputación lo llevó dos veces a la corte de Saboya en Turín, en 1733 y entre 1735 y 1739.
Luego llega la llamada que lo cambia todo. De 1753 a 1761 Giaquinto está en Madrid como pintor de corte de Fernando VI, llamado a suceder a Jacopo Amigoni, y decora al fresco el Palacio Real recién construido. Después de él Madrid recibirá a Anton Raphael Mengs y a Giambattista Tiepolo: esa es la compañía en la que se sitúa.
La Pinacoteca conserva siete obras suyas, y la mejor manera de mirarlas es buscar en ellas el rococó romano aplicado a asuntos locales. Hay un Triunfo de José con la escenografía de la gran decoración, y hay sobre todo un San Nicolás salva a los náufragos que es el cuadro que he elegido para abrir este artículo: el santo aparece entre las nubes sobre una barca en tempestad, y el pintor de Molfetta pinta al patrón de la ciudad en la que su museo nacería doscientos años después.
El siglo XIX, y un juicio pintado en 1882
Las salas del siglo XIX son más ricas de lo que uno espera, y contienen un cuadro que en las historias del arte italiano tiene un sitio propio.
Es In corte d’Assise de Francesco Netti, de 1882. Netti era apulio, de Santeramo in Colle, y pintó una sala de tribunal durante un juicio: el jurado, el público apretado en las tribunas, la acusada. No hay retórica, no hay denuncia declarada, hay una sala llena de gente que mira a una mujer. Es verismo en el sentido más seco del término, y aguanta muy bien la comparación con lo que se hacía en Nápoles y en Florencia en los mismos años.
Junto a Netti están Giuseppe De Nittis, que era de Barletta y llegaría a ser una estrella en París, Giovanni Boldini, Giovanni Fattori con un Regreso de la caballería de 1888, Pellizza da Volpedo, Zandomeneghi, Morbelli y Antonio Mancini. El siglo XX llega hasta De Chirico y Morandi.
Las figuras de belén napolitano, que no son un premio de consolación
La última sección es de artes decorativas, e incluye una colección de pastores de belén napolitano de la segunda mitad del siglo XVIII.
Si crees que es de esas cosas que se miran distraídamente al salir, merece la pena pararse. El belén napolitano del siglo XVIII no es arte popular: es un género de lujo, con figuras de maniquí articulado, cabezas de terracota modeladas una a una por escultores profesionales, ojos de vidrio y ropas de seda cosidas a medida. Las escenas no son devotas sino de vida cotidiana: el frutero, el mendigo, las mujeres que charlan, la taberna.
Es la única pintura de género que el siglo XVIII meridional produjo en cantidad, y está en terracota en vez de sobre lienzo.
Información práctica
Datos verificados el 2 de septiembre de 2026 en la web oficial de la Pinacoteca. Los precios y los horarios cambian: comprueba antes de ir.
Entradas. La entera cuesta 5 euros y la reducida 2. La reducida se aplica a las categorías que indica la Pinacoteca, entre ellas estudiantes universitarios y de AFAM, socios de Coop y del Touring, periodistas, docentes acompañantes y guías de grupos. Entran gratuitamente los menores de 18 años, los mayores de 65 y las personas con discapacidad con su acompañante. El acceso es libre el primer domingo de mes, cuando el último ingreso es a las 12.00. Las exposiciones temporales están incluidas en la entrada.
Horarios. La Pinacoteca está cerrada el lunes y en los festivos entre semana. De martes a sábado abre de 9.00 a 19.00 con último acceso a las 18.30; el domingo de 9.00 a 13.00 con último acceso a las 12.30. La taquilla cierra media hora antes.
El domingo el museo cierra a las 13.00, no a las 19.00, y es el error más fácil de cometer. Si solo tienes el domingo, esta es la primera parada del día y no la última.
Dónde está. En el Palazzo della Provincia, via Spalato 19, en el lungomare Nazario Sauro, en la cuarta planta. Desde el casco antiguo son diez minutos a pie hacia el sur junto al mar.
Cuánto tiempo pide. Dos horas para las veintidós salas. Una hora y cuarto si apuntas solo a los vénetos, al Guercino y a Giaquinto, que es el corte que recomiendo a quien tiene media jornada.
Sobre la afiliación, por honestidad. Ningún enlace a entradas reservables en esta página. El museo vende en taquilla, no tiene colas y cuesta cinco euros: cualquier intermediario sería solo un paso más.
Si estás armando el itinerario, la Pinacoteca es la segunda parada del segundo día de Qué ver en Bari en 2 días, después del Castillo Suevo.
Créditos fotográficos: capitel con leones alados, obras de Antonio y Bartolomeo Vivarini, San Pedro Mártir de Bellini y los dibujos de su reverso, San Roque de Tintoretto, banquete del rey Totila de Boccati, Matrimonio místico del Guercino, Triunfo de José y San Nicolás salva a los náufragos de Giaquinto, y figuras de belén napolitano, fotografiados por Sailko (CC BY-SA 4.0); el retablo de Paris Bordone e In corte d’Assise de Francesco Netti, dominio público. Todas de Wikimedia Commons.
