A diez minutos a pie de Piazza del Popolo, justo dentro de Villa Borghese, hay un palacio blanco con escalinata y columnas que parece un tribunal. Dentro hay un Van Gogh, un Monet, un Klimt, dos ready-made de Duchamp y un Pollock, y en el salón central un grupo de mármol de más de tres metros en el que Hércules lanza por los aires a un hombre.
La Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea tiene una rareza: casi nadie va. Los romanos la siguen llamando GNAM, y la conocen como el museo del viale delle Belle Arti. Tiene casi veinte mil obras y cubre dos siglos enteros de arte italiano y extranjero, y sin embargo es la gran colección de Roma que nunca aparece en las listas de los diez sitios que ver.
Aquí abajo tienes ocho obras en orden de tiempo, del mármol neoclásico a los sacos de yute quemados, a partir del salón que ves nada más entrar.
¿Por qué el museo que tiene los Van Gogh de Roma es también el más vacío?
Empezamos.
El edificio, y por qué el nombre cambia según quién lo diga
La galería nació en 1883, abrió al público el 5 de marzo de 1885 y tenía su sede en el Palazzo delle Esposizioni, en via Nazionale. Su casa actual es más joven: el Palazzo delle Belle Arti, proyectado por el arquitecto e ingeniero romano Cesare Bazzani para la Exposición Internacional de 1911, la de los cincuenta años de la unidad de Italia.
El propio Bazzani lo duplicó en 1933, y un ala más, proyectada por Luigi Cosenza y financiada en 1973, se inauguró solo en 1988. Son tres edificios cosidos entre sí, y te das cuenta caminando: las salas cambian de proporción y de altura sin avisar.
El nombre oficial sigue siendo Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, el acrónimo histórico es GNAM, y desde hace unos años el museo se presenta simplemente como La Galleria Nazionale. Si buscas la información en internet, tenlo en cuenta: los tres nombres llevan a tres webs distintas, y no siempre dicen el mismo precio.
1. Hércules y Licas de Canova
El museo lo usa como imagen de sí mismo, y ocupa el salón central. Antonio Canova trabajó en él entre 1795 y 1815, veinte años, y es la primera estatua colosal de su carrera. El encargo era de Onorato Gaetani, de los príncipes de Aragón, que sin embargo renunció: el grupo lo compró en 1800 el banquero Giovanni Raimondo Torlonia, por dieciocho mil escudos.
El grupo supera los tres metros de altura. Hércules, envenenado por la túnica que el siervo Licas le ha entregado sin saberlo, agarra al muchacho por una pierna y por el pelo y lo lanza al mar. Mira dónde acaba el cuerpo de Licas: la cabeza está echada hacia atrás, los brazos caen hacia el altar cubierto con la piel del león, y todo el peso está ya fuera de equilibrio.
¿De dónde sale toda esta violencia, en el escultor que pasa por el más comedido de todos?
El neoclasicismo de Canova nunca fue solo calma. Aquí el cuerpo de Hércules está torcido sobre sí mismo, los músculos están tensos, y el grupo te obliga a dar la vuelta para entender dónde acabará el lanzamiento: es una escultura construida sobre el movimiento, no sobre la pose. El salón que lo acoge lo ha repensado el artista Alfredo Pirri, y también esa es una decisión que el museo ha tomado a propósito, confiando sus salas a quien hace arte hoy.
2. Las tres edades de la mujer de Klimt
Una sala entera está dedicada a Gustav Klimt y a su cuadro de 1905, Las tres edades de la mujer, un cuadrado de ciento ochenta centímetros de lado que junta a una niña dormida, la madre que la sostiene y una anciana que se cubre el rostro.
Junto al cuadro el museo expone tres dibujos a lápiz sobre el mismo tema. Son la parte que casi todo el mundo se salta y son el motivo para pararse: en los dibujos se ve la misma figura buscada y rehecha, sin oro y sin decoración, y el cuerpo que en el cuadro desaparece bajo los motivos de color aquí queda desnudo, construido con líneas.
El cuadro llegó a Italia después de la Exposición Internacional de Roma de 1911, en la que Klimt participó en el pabellón austriaco y en la que ganó el primer premio: el Estado lo compró en aquella ocasión. Es el único Klimt de esta importancia en un museo italiano, y está expuesto en una sala donde la mayoría de las veces no hay nadie.
3. Los dos Van Gogh
No es uno, son dos, y eso es lo que sorprende a quien llega convencido de encontrar un cuadro suelto: el museo tiene El jardinero, de 1889, y La Arlesiana, de 1890.
¿Qué diferencia hay en verlos uno al lado del otro?
Que los puedes comparar, y la comparación es casi una lección. El jardinero es un hombre captado al aire libre, con el fondo de pinceladas verdes y amarillas que gira alrededor de la figura. La Arlesiana es un retrato de pose: sentada a la mesa con dos libros delante, sobre un fondo de trazos rosas, con el rostro construido por contornos. Dos maneras distintas de resolver el mismo problema, colgadas a un metro de distancia.
4. Los Nenúfares rosas de Monet
Claude Monet pintó los Nenúfares rosas entre 1897 y 1899, al principio de la serie que continuaría el resto de su vida.
Conviene mirarlos después de los Van Gogh y antes de las salas del siglo XX, porque es el momento en el que el asunto empieza a desaparecer: no hay horizonte, no hay orilla, solo está la superficie del agua con las flores y los reflejos. Treinta años después, en las salas siguientes, la ausencia de asunto será el punto de partida en lugar del punto de llegada.
5. Los cazadores furtivos en la nieve de Courbet
Gustave Courbet lo pintó en 1867, y el museo conserva también La ola, de 1871.
Busca el blanco de la nieve. No es blanco: es azulado, gris, blanco sucio, y el realismo de Courbet consiste exactamente en eso, en negarse a pintar las cosas del color que se supone que tienen. Es un cuadro que se entiende de cerca, mirando cómo está hecha la materia.
6. Los ready-made de Duchamp
El museo expone dos de los objetos que partieron en dos la historia del arte del siglo XX: la Rueda de bicicleta y el Botellero de Marcel Duchamp, es decir, una rueda montada sobre un taburete y un utensilio de bodega comprado en unos grandes almacenes.
Una precisión que cambia lo que estás mirando: no son los objetos de 1913 y de 1914. De aquellos no queda nada, porque Duchamp los perdió o los tiró. Estos son las réplicas autorizadas que él mismo mandó rehacer en 1964 junto al galerista Arturo Schwarz, y que Schwarz donó al museo en 1998. Para una obra que nace de un objeto comprado en una tienda, la diferencia entre original y réplica pesa menos que en otros casos, y es una pregunta que Duchamp ya había previsto.
Aquí hace falta un aviso, y tiene que ver con el montaje. El nuevo montaje firmado por la directora Renata Cristina Mazzantini ha sido criticado públicamente. En diciembre de 2025, en Artribune, el historiador del arte Alberto Dambruoso criticó la colocación de los Duchamp debajo de una escalera, la iluminación de varias obras dejadas en penumbra, y esculturas juntadas por género en lugar de por razones históricas. No es una polémica de pasillo: si tienes la sensación de tener que buscar las piezas importantes, no es culpa tuya.
7. Watery Paths de Pollock
Jackson Pollock pintó Watery Paths en 1947, el año en que empezó a trabajar con la tela extendida en el suelo y el color derramado.
Acércate hasta medio metro y después aléjate cinco pasos. De cerca ves los hilos de color superpuestos, los espesores, los puntos donde el pigmento se ha acumulado; de lejos ves una superficie continua que parece vibrar. Este cuadro existe en dos versiones según dónde pongas los pies, y no es una forma de hablar.
8. El Grande Sacco de Burri y el Concetto spaziale de Fontana
Las salas de la segunda mitad del siglo XX cierran el recorrido con dos obras italianas que se sostienen la una a la otra: el Grande Sacco de Alberto Burri, de 1952, y un Concetto spaziale de Lucio Fontana de 1949.
Burri cose, quema y remienda el yute de los sacos militares: la tela deja de ser el soporte y se convierte en la materia del cuadro. Fontana agujerea la tela, y con ese gesto declara que detrás de la superficie hay un espacio de verdad. Son dos respuestas opuestas a la misma pregunta sobre qué es un cuadro, y setenta años después las dos siguen funcionando.
Información práctica
Datos verificados el 16 de septiembre de 2026 en la web oficial de la Galleria Nazionale. Los precios y los horarios cambian: vuelve a comprobarlo antes de salir.
Entradas. La general cuesta 15 euros e incluye tanto la colección como las exposiciones temporales en curso. La reducida cuesta 2 euros y es para los ciudadanos de la Unión Europea de entre 18 y 25 años. Atención al precio. La web del museo indica 15 euros, el portal del Ministerio de Cultura indica 17: son dos páginas oficiales que no coinciden, así que pregunta en taquilla y no te fíes de la cifra que has leído aquí o en otro sitio hace tres meses. Una entrada que casi nadie conoce. Si el mismo día visitas también la Galería Borghese, que está a un cuarto de hora a pie dentro del mismo parque, la entrada a la Galleria Nazionale cuesta 10 euros. La entrada vale tres horas y permite salir y volver a entrar, por ejemplo para tomar un café. Gratuidades. Entran gratis los menores de 18 años, las personas con discapacidad con un acompañante, los guías turísticos y los socios del ICOM, y los docentes y estudiantes de arquitectura, conservación del patrimonio, letras y arqueología. La entrada es gratuita para todo el mundo el primer domingo de mes, el 25 de abril, el 2 de junio y el 4 de noviembre, con reserva obligatoria. Horarios. De martes a domingo 9:00-19:00. Cerrado los lunes. La última entrada es cuarenta y cinco minutos antes del cierre. Una sala cerrada. Desde el 1 de abril el sector 0.1 del museo está cerrado por reordenación: pregunta en taquilla qué incluye, antes de ponerte a buscar una obra que podría no estar visible. Cómo llegar. El museo está en viale delle Belle Arti 131. La línea A del metro para en Flaminio, a unos seiscientos metros; pasan los tranvías 3 y 19 y los autobuses 61, 89, 160, 490 y 495. La entrada accesible está en via Gramsci 71. Cuánto tiempo calcular. Las ocho obras de esta guía piden hora y media. Calcula dos horas y media si recorres también las salas del siglo XIX italiano, que son la parte más extensa de la colección.
A partir de aquí
Dentro de Villa Borghese, a un cuarto de hora a pie, está el museo que todo el mundo reserva: las obras que ver están en Galería Borghese: 10 obras que no te puedes perder, y con la entrada combinada te ahorras cinco euros.
Si buscas la otra gran colección de pintura de la ciudad, la antigua, está en Palazzo Barberini. Para el cuadro completo, con los días de cierre, queda Museos de Roma: los 8 imprescindibles.
Créditos fotográficos: fachada de la Galleria Nazionale de Chabe01 (CC BY-SA 4.0); Hércules y Licas de manuel pagani (CC BY-SA 4.0); El jardinero y Los cazadores furtivos en la nieve de Sailko (CC BY-SA 4.0), todas desde Wikimedia Commons. Las tres edades de la mujer de Klimt es de dominio público.
